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Jun 25, 2023

Las mejores películas de 2023 (hasta ahora)

Archivado en: En los primeros seis meses de este año, el dominio de los superhéroes ha disminuido, cediendo el escenario para que una gran cantidad de películas hagan sus propias cosas. "Lo siento, estoy haciendo lo mío", dice Miles Morales en una

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En los primeros seis meses de este año, el dominio de los superhéroes ha disminuido, cediendo el escenario a una gran cantidad de películas para hacer sus propias cosas.

“Lo siento, estoy haciendo lo mío”, dice Miles Morales en un momento crucial de Spider-Man: Across the Spider-Verse, rechazando la ortodoxia de sus compañeros Spider-folk en busca de originalidad. En 2023, la idea de un caso atípico idealista que está tratando de arruinar el complejo industrial de superhéroes es a la vez inspiradora e inspiradora, especialmente porque la época del dominio de la propiedad intelectual de los cómics parece estar disminuyendo (y, para empezar, bajo la supervisión de David Zaslav). . Pero de una manera más general, la línea describe el modus operandi de las películas en nuestra lista de las mejores películas del año hasta ahora. Ya sea que hayan trabajado en la corriente principal, en los márgenes o entre géneros, los cineastas aquí reunidos contemplaron el status quo y no pestañearon ni una sola vez.

No aguanta el aterrizaje, probablemente porque sigue flotando: desde El regreso del rey, ningún éxito de taquilla ha presentado tantos finales potenciales. Dicho esto, es comprensible por qué Chad Stahelski y compañía se mostrarían reacios a despedirse del héroe de acción que define la década, y aunque John Wick 4 es un largo adiós con 169 minutos, también tiene mucho para ayudar a pasar el tiempo. Ríndete, sin ningún orden en particular, al imperturbable Donnie Yen como un espadachín ciego; el irreconocible Scott Adkins como un asesino hinchado; la elegante Rina Sawayama, que debuta como nueva conserje de Continental; el difunto Lance Reddick, que recibe sus reverencias como el mayor; Bill Skarsgard con un escandaloso acento francés como el aristocrático imbécil malo; y, por supuesto, nuestro hombre Keanu Reeves, quien se ha convertido en un ícono genuino y, como actor, de alguna manera logra darle a la indestructibilidad del personaje principal un toque melancólico. Acrobacias sensacionales, bloqueo físico riguroso y coreografía de cámara, sangre sensata pero satisfactoria y un guiño incongruente a Frogger: buen material, Sr. Wick.

No suelo jugar la carta canadiense aquí, pero ha sido un año excepcional para el cine en mi hogar y en mi tierra natal. La divertida historia del origen de BlackBerry de Matt Johnson ha sido comparada con The Social Network, pero se acerca más a un riff tecnológico de Inside Llewyn Davis: un retrato tierno pero poco sentimental de tipos lo suficientemente inteligentes como para idear la próxima gran novedad que, al final, aún quedaron reducidos. a una mota debajo de una sombra del tamaño de un iPhone. El MVP: Glenn Howerton como el inescrupuloso codirector ejecutivo de BlackBerry, Jim Balsillie, quien nunca conoció a un subordinado que no quisiera partir en dos.

El aclamado destacado de Celine Song en Sundance trata sobre un par de novios de la infancia que se siguen encontrando en fatídicos intervalos de 12 años: la primera vez a través de Facebook después de que uno se muda de Corea del Sur a los Estados Unidos, la segunda después de que decide visitar Nueva York. aunque él sabe que ella está casada. Como un riff necesariamente comprimido de una sola película sobre la trilogía Before de Richard Linklater y su metafísica de puertas corredizas, Past Lives es esquemático pero efectivo; Lo que lo hace funcionar son las actuaciones de Greta Lee y Teo Yoo como encarnaciones adolescentes y adultas de estos desventurados no del todo amantes. Especialmente en el acto final, hacen que la danza de la atracción y la desgana parezca a la vez ágil, incómoda y urgente, mientras que John Magaro, como marido de Lee, actúa como una tercera rueda sorprendentemente conmovedora: un hombre decente, amoroso y solidario que es tan comprensivo con la historia de vida de su compañero que corre el riesgo de reescribir la suya propia.

No me encantó exactamente el saludo estelar de Wes Anderson a las aspiraciones y ansiedades estadounidenses de mediados de siglo; su narrativa multinivel y sus juegos de rol integrados parecían casi demasiado intrincados, como si el director que una vez mostró una habilidad especial para encontrar la yugular emocional hubiera refinado su enfoque hasta el punto de la parálisis. Pero incluso si Asteroid City no funciona del todo, sus partes móviles están todas ajustadas con precisión, con suficientes momentos fantásticos (muchos de ellos generados entre Jason Schwartzman y Scarlett Johansson como amantes cautelosos y heridos varados en tierra de nadie) para ganarse un lugar en esta lista. Un subproducto del cine orientado a los detalles de Anderson es que se beneficia de la repetición, y si hay una película en esta lista que probablemente mejore tras la reflexión, es ésta.

Cualquiera que haya usado alguna vez una computadora portátil como escudo durante un fin de semana en el desierto puede identificarse con el (anti)héroe de la nueva comedia costumbrista del maestro alemán Christian Petzold; Hosco, sudoroso y sin ganas de saltar al lago, incluso si eso significa pasar tiempo de calidad con su amor platónico de vacaciones, el escritor Leon (Thomas Schubert), de veintitantos años, es donde la fiesta va a morir. Él también lo sabe, y su incapacidad para superarse a sí mismo y su probablemente mierda novela de segundo año produce muchos momentos maravillosamente vergonzosos, aunque el punto parece ser que la incomodidad no es el fin del mundo. Para ello, los personajes sólo tienen que mirar hacia la neblina carmesí que llega desde el otro lado del Mar Báltico, producto de incendios forestales no muy lejanos que dan a la película su título y su ambiente apocalíptico. Es difícil combinar tropos mumblecore con pánico existencial, pero Petzold lo hace funcionar, especialmente en un acto final plagado de toques fugaces y surrealistas.

Ambas entregas de la serie Spider-Verse han sido, hasta cierto punto, alegorías sobre la ocupación, renovación y subdivisión de la propiedad intelectual; A partir de un compromiso corporativo intratable entre dos compañías que reclaman un personaje icónico del siglo XX, un talentoso grupo de diseñadores, animadores y directores ha creado algo cercano al vital arte pop milenario. En un nivel, las continuas aventuras de los lanzadores de telarañas Miles Morales y Gwen Stacy a través de varios planos estilizados de la realidad satirizan la abundancia de contenido relacionado con Spider-Man; El giro esta vez es que ambos personajes (y sus alter egos) están obligados a alterar lo que ellos (y nosotros) reconocemos como canon de franquicia: un no-no existencial que también es la clave para una narración de cómics verdaderamente liberada. Es algo inteligente, da pasos agigantados más allá de la hegemonía sarcástica de Marvel, y es tan políticamente progresista como podría esperarse de un éxito de taquilla de un gran estudio, con una escena de padres e hijos magníficamente ilustrada que integra la iconografía LGBTQ no solo en la historia, sino también en el marco. sí mismo.

El director catalán Albert Serra hace películas artísticas lentas y monótonas que te invitan a compartir su letargo invasor: puedes surfear en su longitud de onda de ensueño o quedarte en tierra. La imagen distintiva de su absorbente nuevo thriller ambientado en Tahití, Pacifiction, muestra a un grupo de isleños del Pacífico colgando diez, eclipsados ​​por olas más grandes y aterradoras que cualquier otra cosa en Point Break: metáforas de 50 pies para las fuerzas más grandes que se arremolinan en una economía tormentosa y globalizada. . Benoît Magimel interpreta a un turbio diplomático francés cuyo arrugado traje blanco lo presenta como la verdadera encarnación del colonialismo de la vieja escuela, pero Serra es un cineasta demasiado astuto y sofisticado para convertirlo en un villano obvio. En cambio, la elocuente cifra de Magimel sigue cambiando de posición (y lealtades) en un exuberante tablero de ajedrez en una isla donde las reglas las escriben (y reescriben) los ganadores, y el jaque mate es una propuesta potencialmente termonuclear. Táctil e impenetrable al mismo tiempo, esta es la película artística más intensa del año hasta el momento.

En el que una industria artesanal de un solo hombre en el campo de las parábolas sobrenaturales y claustrofóbicas crea una parábola sobrenatural y claustrofóbica ambientada en una cabaña literal. Al igual que Signs, Knock at the Cabin está estructurado como una fábula de invasión de hogares, excepto que esta vez los intrusos no son extraños: tanto en su reticencia con ojos llorosos como en su convicción letal en nombre del sacrificio (humano), Dave Bautista y su no -Un grupo tan alegre de fanáticos del fin de los días es demasiado humano. El tema, nuevamente, como Signs, es fe versus duda, y le da crédito (y respeto) a M. Night Shyamalan por no cubrir sus apuestas al estilo de la novela original ejecutada de manera más ambigua. En lugar de una ambigüedad moderna y sin culpa, lleva el material a extremos ideológicos (y teológicos) que garantizan perturbar (o enojar) a un cierto porcentaje de la audiencia. Y aún mejor, está claro que no le importa si lo hace; Aunque su sucesor espiritual, Jordan Peele, está buscando la antorcha del cine A-plus B, Night sigue siendo el estándar de la industria.

Kelly Fremon Craig cumple la promesa de su entrañable y duro debut, The Edge of Seventeen, con una adaptación perfectamente realizada del clásico infantil de Judy Blume. Como protagonista en búsqueda espiritual, cuya lista de deseos para el hombre de arriba enumera una serie de ansiedades sociales y biológicas exacerbadas por su condición de chica nueva en la cuadra, Abby Ryder Fortson evita la ternura por el tipo de ansiedad pensativa y de bajo nivel que Las flores tardías (más o menos) de todo tipo las reconocerán como 100 por ciento auténticas. Y en el papel de su madre, dulcemente atenta pero creativamente sofocada, que nunca ha superado sus propias dudas de la adolescencia, el magnífico reparto Rachel McAdams hace el tipo de actuación emocionalmente precisa y serio-cómica que, en un mundo perfecto, le permitiría ganar un Oscar (una escena pequeña y cargada involucrar al actor y un pájaro fuera de su ventana es sublime). Fremon Craig es un director muy talentoso: los detalles de la época de los 70 son evocadores sin ser dominantes, y el tono nunca es demasiado fuerte ni se desenfoca. En una entrevista, la propia Blume dijo que la película mejora su material original; está siendo modesta, pero también cuenta las cosas como son.

Hasta ahora, ninguna película de 2023 vibra con la fricción política de este thriller metaficticio de gánsteres, ambientado y filmado en el Brasil de Jair Bolsonaro y deudor igualmente de los legados del Tercer Cine y de la franquicia Mad Max. Audazmente adaptando la realidad a su visión de ciencia ficción, los codirectores Joana Pimenta y Adirley Queirós presentaron a un grupo de mujeres habitantes de favelas como piratas petroleras autodenominadas, explotando oleoductos corporativos y vendiendo la escorrentía con descuento. Se enfrentan a una fuerza policial exclusivamente masculina cuya maquinaria oscura y elegante evoca un autoritarismo sin rostro: las fuerzas más grandes que hacen del activismo, el feminismo y el cine antisistema propuestas arriesgadas. Que a veces es difícil decir qué es auténtico y qué es especulativo aquí es en gran medida el objetivo de la empresa, pero la mezcla de ideología radical y estética híbrida es completamente galvanizadora. La película también cuenta con la mejor banda sonora de hip-hop del año, rematada con una canción sobre un trío en un helicóptero que se esfuerza más de lo humanamente posible.

Kelly Reichardt no ha hecho una mala película en 30 años de escribir y dirigir. Con respecto a todos los sospechosos habituales del cine americano con mayúscula, no estoy seguro de que ninguno de sus contemporáneos pueda decir lo mismo. La amable (pero no demasiado) comedia del mundo del arte Showing Up representa un pico en su carrera, presentando a la musa del cineasta, Michelle Williams, como una escultora que busca una carrera en el mundo académico, representada aquí como un círculo vicioso de folletos retocados con Photoshop, vino y -recepciones con queso y elogios cuidadosamente elaborados de amigos y rivales por igual. Debido a que Reichardt es una dramaturga tan flexible, es capaz de tejer los hilos de la trama alrededor de su frustrado protagonista con tanta destreza que no notamos los arcos narrativos hasta que llegan a su punto máximo; Debido a que está tan atenta a las cuestiones de lugar y tiempo, Showing Up se reproduce casi como un documental irónico e inquisitivo sobre la práctica artística, plagado de imágenes de estudiantes trabajando en proyectos que un satírico menos comprensivo trataría como bromas visuales. Una paradoja que vale la pena señalar y celebrar: es porque Reichardt se toma en serio a los artistas y el arte que obtiene tanto provecho cómico de sus debilidades. No hay golpes en Showing Up ni mucho mirarse el ombligo: simplemente una maestra en su oficio que contempla las innumerables dificultades endémicas para crear cualquier cosa y luego hacer que parezca sin esfuerzo.

Adam Nayman es crítico de cine, profesor y autor que reside en Toronto; su libro Los hermanos Coen: este libro realmente une las películas ya está disponible en Abrams.

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